29
Aug
07

Ciudad Digital

Para realizar un proyecto basado en nuevas tecnologias y sofisticadas interfaces como el de Second Life, es completamente necesario e importante generar un recorrido por la historia del arte, cine, fotografía, diseño y arquitectura, para encontrar las bases conceptuales que sirven como herramientas en nuestro proceso creativo.

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Partiendo de un periodo tan antiguo como el medioevo, fue interesante la manera en la que pudimos recalcar rápidamente las grandes influencias en este proceso histórico, profundizando de igual manera en el pensamiento y necesidades del contexto. De esta forma, pudimos observar cómo las figuras, enfoques o visión sobre las cosas fue generandouna transformación en el tiempo, logrando una lenta pero constante evolución en el arte, por lo tanto en la cultura misma.

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Si de pronto a alguien le interesa, hay un fotógrafo alemán que ha desarrollado un trabajo bastante interesante fusionando el la fotografía nazi con la religión, generando fotografías que posteriormente son intervenidas con pintura. También ha desarrollado trabajos fotográficos con Rammstein y Marilyn Manson en su ultimo disco de “The Golden Age of Grotesque”, su nombre es Gottfried Helnwein, acá van algunas fotos.

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Si hablamos de Pop Art, la relación directa que viene a nuestra mente es la del genio artista y hasta cineasta Andy Warhol. En vez de tomar a varios artistas que estuvieron inmersos en el movimiento Pop, me parecería más interesante profundizar, en mi opinión, en el más interesante de todos. Para lograrlo me basaré en una película que además de servir como biografía del artista, logra generar un verdadero acercamiento a su obra real, a su objetivo como artista, trasformarse a si mismo en un resultado más de su discurso. Por medio de este documental de Ric Burns, se puede ver un fiel retrato de la fuerte transición que se puede generar entre el Artista y su obra, desatando como resultado final, una transformación basada en la simbiosis de ambos.

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Es interesante observar la manera como Warhol logra acabar con el inmenso abismo que existe en la relación entre el artista y su obra, logrando generar una ruptura en esta separación para desarrollar un vínculo perfecto entre ambos, logrando una coherencia y consecuencia absoluta frente al discurso de la obra, al poder habitar y hacer parte de ella, potencializando la concepción del Artista al trasformarlo en obra, utilizando su corporalidad y mentalidad como los colores y técnicas que son plasmados en un lienzo.

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En el desarrollo de la película se puede evidenciar la manera en la que Warhol sobrepasa una intención de profundizar en un movimiento artístico, para inmergir en el mismo, volviéndose un resultado más del Pop Art. Por medio de sus entrevistas, obras y películas pude inferir la fuerte ambición de Warhol frente a los fines que pretendía alcanzar con el arte. El documental genera un recorrido aparentemente lineal en el que muestra la vida del artista paralelamente al contexto que se vivía en su momento. De esta manera la película refleja la manera en la que Warhol de la mano del arte (como el más grande y antiguo medio de expresión), logra desarrollar un proyecto de vida, el cual sobrepasa los resultados observados en sus obras al transformarse a si mismo en la obra.

Tras esto se puede analizar que el proceso de Warhol podría llegar a ser similar al de David Bowie, logrando escarbarse y desmenuzarse hasta el punto máximo de representar sus máximos deseos, aberraciones, miedos o ambiciones en si mismos, produciendo como resultado y obra final, un Alter-ego.

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Las pelucas, la expresión corporal, las actitudes y las inteligentes respuestas a la prensa lo vuelven un artista supremamente coherente. Si pudiéramos aplicar el Pop Art a la escritura o el lenguaje, que respuesta podría llegar a ser más Pop que la de Andy Warhol

E. ¿Cuál es el planteamiento de su obra?. AW– Mmmmmm, no se ¿usted sabe?.

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Si el artista está hablando de la serialidad de masificación de productos industriales, del enfermo consumismo y de todo lo relacionado a lo popular (Productos y personajes), el artista debería desarrollar un alter-ego coherente a su discurso, actuando y manifestando por medio de su voz, su expresión corporal sus gestos y lenguaje, explicaciones igual de superficiales y populares a las del movimiento, matándose a si mismo en un producto más del Pop Art.

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Por medio de la conferencia de los medios digitales, se puede llegar a encontrar elementos positivos y otros que se podrían llegar a corregir posteriormente para futuras conferencias. Como un primer punto, creo que la idea de la conferencia sirve como un espacio en el que se puede apreciar de manera directa grandes pensamientos dirigidos hacia un ámbito muy contemporáneo. De igual manera este tipo de eventos genera una unificación de las disciplinas al proponer un tema bastante amplio, que recoge elementos que ayudan a estructurar una postura frente a la arquitectura, el diseño, el arte o simplemente hacia los nuevos medios. Sin embargo creo que la conferencia a pesar de haber tenido todos los elementos a su favor para haber desatado una dinamica interesante, cayo en un discurso personal de cada expositor que variaba según el individuo que tenia la palabrea, generando una narrativa desarticulada en la que al final no se podía realmente entender el tema o el propósito de la exposición. La conferencia al ser desarrollada a partir de una metodología puramente hablada, no permitía generar un dialogo con el oyente, generando un hilo conductor muy débil que en cada nuevo salto volvía a romperse.

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Es increíble que un expositor que va hablar de cine o arquitectura, no traiga a la presentación fragmentos de películas o espacios arquitectnocios, debido a que de la misma manera que decía Carmen, el expositor debería manejar un coherencia en su discurso, por lo tanto si el tema es la imagen es indispensable traer la imagen como otro medio de comunicaron capaz de generar un mayor entendimiento y recordamiento por parte del oyente hacia la postura del expositor. De esta manera la dinámica de la conferencia logro un giro muy grande por medio de la ayuda audiovisual, generando una narrativa consecuente con el tema. a pesar de todod esto, creo que en al conferencia se desataron temas bastante interesantes que recogían desde la informática y las telecomunicaciones para desembocar en las nuevas tecnologías, de igual manera a pesar de que este era el tema central, cada uno desde sus estudios y disciplinas profundizaba sobre temas bastante interesantes que recogían desde la prehistoria, hasta la postmodernidad, apoyando su argumento desde las diferntes manifestaciones artísticas desarrolladas por el hombre.

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Fotografía


Por medio de este recorrido histórico y estético alrededor de la fotografía, quise en vez de profundizar sobre la historia misma, generar una inmersión sobre la capacidad de comunicación de una fotografía o una imagen. Para esto seguiré una misma linealidad re-enfocándome ahora en un proyecto de Warhol, en el que de las misma mancera que en un experimento cienmtifico, el artista profundiza en la fotografía para apreciarla como un lenguaje que comunica, configurado a partir de nuestro entorno y construcción cultural accidentalizada.

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En la contemporaneidad, la silla eléctrica ha tenido una connotación bastante fuerte y violenta, debido a que es por medio de esta materialidad, que varios hombres condenados a pena de muerte por cometer delitos, mueren electrocutados frente a una audiencia que por lo general espera con ansias la muerte de aquel homicida que cometió un crimen determinado.

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A través del entorno en el cada sujeto se desarrolla, éste por medio de la percepción y sus propiedades vinculativas han guardado en el cerebro una gran cantidad de imágenes, que en algún punto de la vida lograron afectar o impactar al individuo. La silla eléctrica podría llegar a ser una de estas imágenes, que al involucrar elementos como el sufrimiento y el dolor, ha logrado transformarse en un icono muy representativo de la violencia y el terror que un estado, como organización institucional, ha decidido utilizar como un puente para mantener el orden, por medio del miedo a este tipo de castigos: la muerte.

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Orange Diseaste #5”, es una obra del famosísimo artista Andy Warhol, en ella muestra varias repeticiones de una silla eléctrica acompañada de un filtro anaranjado. Inicio este escrito retomando la imagen de este violento instrumento, porque me parece supremamente interesante la manera en la que Warhol logra cuestionar al espectador, y generar un interrogante sobre la manera en la que una imagen impactante puede llegar a perder toda la connotación e impacto que fue percibido inicialmente por el sujeto, después de observar una serie de repeticiones de la misma.

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Más allá de la obra, es interesante la manera en la que ésta se termina volviendo un experimento, en el cual se puede observar que de la misma manera en la que el sujeto se adapta a las situaciones y condiciones de un contexto especifico, éste termina adaptándose a las imágenes y al impacto que éstas generan en una primera observación.

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Por medio de la publicidad, del arte, de la escultura y de la moda pude comprender como el hombre busca satisfacerse por medio de sobre-estímulos generados por imágenes sobrenaturales desarrolladas por las manifestaciones anteriores. Tal vez, lo que me causo más impacto y curiosidad fue observar que esta tendencia no es un resultado de una construcción aprendida en nuestro entorno, debido a que desde el arte, como el medio de expresión mas antiguo, pudimos observar que desde el inicio de los tiempos, el hombre ha desarrollado por medio de la pintura y la escultura, falsas representaciones del ser humano, imágenes potencializadas que exageran las facciones y dimensiones del mismo, tras esto pude concluir que de alguna manera el hombre como animal racional, tiene un tipo de configuración natural, un patrón particular que lo incita a buscar la novedad, lo exótico, lo diferente, buscando como fin absoluto identificarse con algo más bello de lo es en la realidad, potencializarse por medio de una imagen capaz de representarlo como un súper hombre, un ser especial, como un Dios.

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Cine

Por medio de esta cesión cinematográfica, pudimos generar un recorrido juicioso sobre los primeros acercamientos a este séptimo arte del cual inicialmente la sociedad no le apostaba un peso. El proceso de Bricolaje a pesar de ser uno de los procesos más característicos de una micro-cultura juvenil, puede ser observado en múltiples facetas y manifestaciones dadas hasta en el cine. Un estilo, un tema como el del amor, un tipo de toma, una estructura narrativa podrían ser elementos que están siendo recogidos constantemente, para realizar una película.

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Este tipo de procesos de re-colección y re-ordenamiento fueron apreciados en la clase por medio del famosísimo corto de Georges Méliès “Viaje a la luna”, el cual tiene como una de las escenas famosas el choque de un cohete en el ojo derecho de una luna. Por medio de esta toma, podemos observar la manera en la que el mismo espectador desde su contexto determinado idealiza este tipo de tomas hasta el punto máximo, de procesarla y guardarla en el cerebro por medio de imágenes mentales, que posteriormente logran más trasfondo por medio de un imaginario colectivo de la película.

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Es por medio de este gran impacto hacia una escena en especifico, donde una banda relativamente contemporánea como lo fue Samashing Pumpkins posteriormente realiza el proceso de bricolage por medio de re-colección y re-ordenamiento sobre estas tomas en particular, generando una concesión de banda no únicamente a nivel sonoro, sino también por medio de ese despertar en el que podemos generar un vinculo inmediato sobre una escena que ha sido difundida como una de las escenas mas famosas en la historia del cine.

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De igual manera la actitud frente al buen cine, el diseño o la arquitectura no debería ser únicamente con intenciones de innovación sobre algo, ya que a pesar de ser un gran valor agregado en el que se esta desarrollando algo nuevo como el manifiesto Dogma 95, no es necesariamente el único valor que determina una buena película. Lo que quiero decir que a pesar de que hemos y seguimos haciendo el proceso de Bricolage de recoger temas y estructuras que configuran un tipo mismo de historia, existen malas películas de amor y buenas películas de amor, existen buenas películas de Hollywood y malas películas Hollywood, de esta manera el problema no esta ni la intención de innovar en todo, ni en recoger las estructuras comunes para realizar una película, sino la forma de desarrollar el tema de la película.

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En mi vida he visto películas que parten de la misma estructura narrativa en la que por ejemplo: (a un individuo le mataron a un familiar, por lo tanto el resto de la película esta buscando venganza para encontrar la tranquiliadad y hacer justicia). Sin embargo generando un desarrollo diferente con atributos estéticos en la imágenes, alucinantes tomas, interesantes parlamentos, cínicos contrastes o hasta la potencializacion de la violencia se pueden generar una película como “Kill Bill”, la cual parte de la misma estructura cliché de cualquier película de acción como “Retroceder nunca rendirse Jamás 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, etc.”

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Sin embargo desde otro tipo de realización, podrimos observar como por medio de ………….. que el texto y el parlamento son innecesarios, ya que la imagen como lo decía en el escrito anterior es un lenguaje capaz de comunicar mas que muchas palabras, logrando de igual manera una fusión con el lenguaje musical, desatando una narración en la que la imagen sirve como texto y la música como la tejedora del mismo, dándole un sentido trágico, alegre o reflexivo a un tema, una fusión que intenta sembrar un tipo de interrogante en el espectador.

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Metrópolis

Resulta curioso observar la manera en la que un contexto basado en los factores políticos, económicos, sociales, culturales y hasta religiosos del momento, es capas de reflejar por medio del séptimo de arte una interpretación de un posible futuro de la raza humana.

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Metrópolis es tan solo una potencializacion del contexto en el que se estaba viviendo, las interpretaciones y suposiciones acerca de un futuro se arman según las necesidades del momento, de una manera muy interesante Fritz Lang propone una mirada inspirada de la novela de Von Harbou, generando un tipo de denuncia indirecta hacia el capitalismo mismo, generando un fuerte enfoque hacia la maquina como artefacto dominante del cual dependemos y adoramos al mismo tiempo.

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Los nodos que conforman la historia son los mismo nodos existentes en el contexto, un conflicto de bandos entre clases sociales marca la división entre la clase obrera y las clases dominantes, el revolucionario, el científico, “los malos y los buenos” sirven como nodos de una historia que al ser plasmada en otra época, con otras instalaciones y arquitectura, formando una atmósfera en el que el contexto viene siendo el mismo pero los medio diferentes, generando una potencializacion de la mujer al trasformarla en un tipo de heroína que sirve como esperanza de un pueblo descontento por la mala distribución de las riquezas y demás injusticias sociales.

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Desde otro punto de vista Metrópolis es considerada como uno de los máximos exponentes del expresionismo Alemán, sus gigantescas e imponentes edificaciones, su oscura y húmeda atmósfera y su recalcado Art Deco, forman un ambiente único en el que se respira una Megapolis en el que crece un gueto subterráneo por medio de una semilla industrial que acaba diariamente con el hombre.

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La Jetée

The Refest Shorts

Resulta sumamente interesante observar como a partir de elementos como el séptimo arte u otros medios de comunicación, diferentes directores y creativos han intentando sobrepasar los límites, rompiendo con los paradigmas y patrones tradicionales de estructuras narrativas y formas de retratar un tema determinado.

Por medios varios videos cortos, pudimos apreciar el surgimiento de nuevas propuestas y tendencias recreadas a partir de diversas técnicas visuales o formas de re-significar lo que es el Cine.

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La Jetée sirve como muy buen ejemplo de estas rupturas, ya que partiendo de la fotografía como el antecesor del Cine, vuelve a recurrir a la misma, para desde la quietud y congelamiento de una imagen recrear toda una narrativa que se va desentramando a partir de un gesto, una emoción o un leve movimiento sobre la misma.

Por medio de este gran experimento el director se ve obligado a ser supremamente cuidadoso con cada espacio, vestuario, iluminación y actor, ya que a diferencia que en el cine, en el cual se puede engañar al espectador sobre algunos objetos o gestos por la rápida sucesión de imágenes, en esta propuesta todo debe permanecer impecable, claro y exacto, ya que una imagen debe hacer el papel muchas más, volviéndose completamente multifacético pero evidente a la vez, un equilibrio supremamente complejo de registrar en la fotografía.

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Por otro lado resulta bastante curioso como el audio juega un papel bastante importante en todos los videos que observamos, ya que en el caso del experimento de una película por medio fotografías, el audio debe servir como narrador de las situaciones y circunstancias de los personajes, logrando retratar suspenso en momento crucial o alegría en el momento en el que se une la pareja. Paralelo a este proceso se puedo observar una coordinación impecable entre el audio y el ritmo de las imágenes, desembocando conceptos en relación a la repetición, el movimiento y el dinamismo por medio de la sincronización de las fotos acompañadas de sonidos que la estructuran.

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En relación a los videos de “The Refest Shorts”, talvez uno de los mas interesantes fue el de el corto a partir de frases coordinadas con el sonidos de la voz de un individuo hablando por teléfono. Desde hace ya bastante tiempo había pensado en la forma de representar los pensamientos en el cine. tal vez esta propuesta logra ser la que mas se asemeja a este interrogante. Por medio del corto podemos recalcar de nuevo que el tema algunas veces no es lo importante en cuanto que su importancia y especialidad se dará por medio de la forma en la que este sea reflejado. Posiblemente si pusiéramos el corto de manera visual, capturando desde un primer plano el rostro de un individuo que se comunica por teléfono con una mujer, el corto caería en la banalidad o el aburrimiento repentino de los espectadores.

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Sin embargo el riesgo interesante esta en generar una corto sin necesidad de retratar en ningún momento ningún espacio, personaje o situación, ya que partiendo del poder sensorial del ser humano, una de las intenciones del director esta en recrear la película sin la necesidad de que él mismo como un dios omnipotente se imponga sobre el espectador, proponiendo una perspectiva imponente sobre la manera en la que la imagen se debe ver según su percepción, dando así la oportunidad de que el espectador se vuelva por un momento director, obligándolo al mismo a recrear y visualizar los espacios, actores y situaciones desde sus imaginarios mentales construidos a partir de una construcción cultural accidentalizada, transformando su película en una estructura narrativa basada la lógica del lenguaje escrito como un mediador de un paisaje auditivo.

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Por medio de esta síntesis, podríamos re-significar el concepto del aprendizaje ya que en algunos casos una imagen bien argumentada enseña más que mil palabras.

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